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Los caprichos de Julie Delpy

Un espacio sin críticos, sólo libros, películas y música conectados así nomás, como toda cosa.

mes

marzo 2014

29 de marzo de 2014 – Programa 2

Parte 1:

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Parte 2:
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140329

Parte 1:
Fragmento de poema sin título del libro “La novela de la poesía” de Tamara Kamenszain.

La máquina de hacer pájaros – No te dejes desanimar

Película: La historia oficial (Luis Puenzo).

Las Pelotas – La colina de la vida [Gieco]

Poema sin título de Susana Thénon en el libro “La morada imposible”.

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Juguetes perdidos

Fragmento de “Cuaderno de una muchacha muda”, Margarita Aguirre.

Palo Pandolfo – Sueño con serpientes [Silvio Rodríguez]
Invisible – Las golondrinas de Plaza de mayo
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Biopic: Norma Aleandro.

Janis Joplin – Move Over

In a world… 3 películas musicales.

Jimi Hendrix – Day Tripper [Beatles]
Jimi Hendrix – Hound Dog [Big Mama Thornton]
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Parte 2:

David Bowie – “Heroes”

Película: No (Pablo Larraín).

Los Abuelos de la Nada – Tristeza de la ciudad
Los Abuelos de la Nada – Yo soy tu bandera

Fragmento de “Memorias de una superviviente”, Doris Lessing.

Tracy Chapman – Talkin’ ‘Bout a Revolution
Sinéad O’Connor – War [Bob Marley]
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Pink Floyd – Shine On You Crazy Diamond
Fragmento de “No han cambiado y son otros”, Olga Orozco.

Los caprichos de la semana: agenda cultural.

Pedro Aznar – Quebrado

Poema sin nombre del libro “La ley tu ley” de Juana Bignozzi.

“Lo que queda después del olvido”, Jean Claude Carrière.

Joe Strummer & The Mescaleros – Redemption Song [Bob Marley]

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La historia oficial – No

La historia oficial, Luis Puenzo. Argentina, 1985.

En el país del Nomeacuerdo
doy tres pasitos y me pierdo.

Un pasito para allí,
no recuerdo si lo di.

No cabe la pregunta ¿por qué el 24 de marzo es feriado? No cabe. La película de 1985 de Luis Puenzo es una gran manifestación cultural de esto. “La historia oficial” es probablemente la mejor película argentina sobre lo que nos hizo la última dictadura militar a los argentinos. Hay muchas realizaciones cinematográficas del país sobre este tema, pero pocas calan tan hondo como esta, pocas van tan a lo profundo. Y es una de las primeras.
No sólo cuenta la historia de una familia que compró una hija de desaparecidos. También plantea el valor de conocer nuestra historia, a la vez que comienza a plantear el tema de la memoria, que es vital para hacerle frente a este proceso que nos ha afectado tan hondamente.
¿Qué hace Norma Aleandro en la primera escena de la película con un paraguas cantando el himno? ¿Por qué, si no llueve y está nublado? ¿De qué se tapa? “Comprender la historia es prepararse para comprender el mundo. Ningún pueblo podría sobrevivir sin memoria. Y la historia es la memoria de los pueblos”. Eso plantea como profesora en el primer día de clases. Claro, eso. Una definición correcta en un mundo de definiciones correctas que no dejan lugar para las preguntas, para plantear la duda. “No hay pruebas porque a la historia la escriben los asesinos”, dice uno de los alumnos. La correcta profesora lo expulsa de la clase y gana la batalla indicando que es una cuestión de disciplina y que hay que pedir permiso para hablar. Pedir permiso para opinar. También el sistema educativo es puesto en discusión con esta película, el modelo que dicta, que espera respuestas de manual, que no permite lugar para la duda.
No sólo están representados los militares y empresarios que vencieron, los que lograron irse justo a tiempo, desaparecidos y sus hijos, las madres y abuelas, los curas y médicos cómplices. No sólo están los vencedores y los grandes perdedores, sino ese enorme grupo que se desentiende de lo que sucede, que mira para un costado, los del “algo habrán hecho”, el grupo de los más cómplices, cómplices de permitir que la historia siga llevando la firma de quienes ganan, de los asesinos. Los que niegan la memoria, los que, actuando inocencia, preguntan ¿por qué el 24 de marzo es feriado?
“La historia oficial” es una película que reclama memoria, reclama que se recuerde y se sepa. Por eso hasta creo necesario que algunas de las expresiones de los personajes sean tan trabajadas desde la palabra que suenen imposibles de decir en la cotidianeidad. Es necesario ahondar en lo más profundo de la herida y decirlo de la forma más cruda, aun cuando pueda sonar demasiado elaborado, sólo para que ese enorme grupo que se cree al margen de esta realidad se entere. Y que desde allí podamos pensar otra historia, al margen de la oficial, una historia que pase el cepillo a contrapelo, como indicaba Benjamin, una historia que vaya palmo a palmo hacia atrás fijándose qué se ha escondido en tantas páginas escritas por el mismo brazo.

(Ver: “Sobre el concepto de historia” de Walter Benjamin).

Gabi es la nena que los personajes de Héctor Alterio y Norma Aleandro adoptaron. Gabi representa la memoria, desde el lugar de la inocencia y lo intuitivo. Cuando sus primos entran a su habitación pateando la puerta y con armas de juguete, se asusta tanto que necesita que su madre la abrace y consuele. ¿Qué es lo que recuerda esa nena que a los días de haber nacido fue comprada por este empresario? ¿Por qué se asusta tanto cuando entran a las patadas a su habitación? ¿Por qué pide hablar con su madre adoptiva cuando esta está herida y a punto de irse de la casa?
El cuento “Cuaderno de una muchacha muda” de la chilena Margarita Aguirre, publicado en su libro “La oveja roja”, parece reconocer también en esa nena que no puede hablar una necesidad de tomar por las comisuras al mundo que ha perdido para adentrarse en él. A las dos niñas que les han quitado las palabras, les queda ahora un grito mudo, en la forma de un silencio enorme ante el mar, o de unos versos de María Elena Walsh en una canción que no sólo canta por repetición:

Un pasito para allá,
ay qué miedo que me da.

 

No, Pablo Larraín. Chile, 2012.

Si sobrevives, si persistes, canta,
sueña, emborráchate.
Es el tiempo del frío: ama,
apresúrate. El viento de las horas
barre las calles, los caminos.
Los árboles esperan: tú no esperes,
éste es el tiempo de vivir, él único.

Jaime Sabines.

¿Qué significa decir “no”? Me interesa pensar el “no” como afirmación de la vida, como el “nunca más” que pone freno a la muerte, al silencio; que dice no a las complicidades con las desapariciones, las violaciones, las torturas, el despojo, los huesos sin nombre, las vidas desgajadas de la vida. En la película No dirigida por Pablo Larraín, cuyo guión es de Pedro Peirano, una adaptación de la obra teatral inédita El plebiscito del escritor Antonio Skármeta (conocido mundialmente por la novela Ardiente paciencia, la cual también fue llevada al cine en el famoso film Il Postino), el No es la opción que implica poner fin a la dictadura de Pinochet. En 1988 Pinochet es llevado a refrendar su continuación en el poder, conforme a las disposiciones transitorias de la Constitución política de 1980. Ante la mirada de los organismos internacionales e intentando lavar su imagen pública, el plebiscito era la manera de garantizar su permanencia. Sin embargo los resultados no fueron los esperados y tuvo que admitir la derrota. El triunfo del No implicó la convocatoria para 1989 de elecciones democráticas conjuntas de presidente y parlamentarios, que condujeron tanto al fin de la dictadura como al comienzo del periodo llamado transición a la democracia en el vecino país.
Pero el film, nominado al Oscar como Mejor película extrajera y ganadora como Mejor Película en Cannes con el Premio Quincena de Realizadores y en el Festival de La Habana, centra la mirada sobre la organización de la campaña publicitaria que sería clave para la victoria del No. Durante un mes y por quince minutos diarios Sí y No tendrían por ley la posibilidad de expresar en televisión cada opción. La franja publicitaria fue decisiva para el triunfo del No en el plebiscito del 5 de octubre de 1988. La campaña tenía como objetivo mostrar esta opción como alternativa válida para enfrentarse a Pinochet. Larraín, su director dice de la película: “Hay mucha nostalgia, el plebiscito del 5 de octubre del ’88 es una fecha vértice, una fecha bisagra; está todo el pliegue de la historia chilena metida ahí, de la reciente al menos. La clave de No está en cómo un grupo de personas toman las herramientas creadas, impuestas por la dictadura, esas herramientas sociales e incluso políticas, y las utiliza para crear un discurso que permite finalmente derrotar a Pinochet. Ahora, ¿es sólo la derrota de Pinochet o es también la victoria del modelo de Pinochet? Esa ambigüedad creo que es la concepción de la película.”
Gael García Bernal interpreta a René Saavedra, publicista que vuelve del exilio y que es invitado a participar de la campaña del No por Luis Gnecco en el papel de José Tomás Urrutia, político democratacristiano que lidera dicha opción. Luis “Lucho” Guzmán, interpretado por el actor Alfredo Castro, es el jefe de René y trabajará además para la opción Sí. Estas tres actuaciones son excelentes y se entrecruzan con un elenco maravilloso. Usar las herramientas de la publicidad es lo que hace que René insista en resaltar la alegría para vencer al miedo y al dolor. Discusiones y debates sobre cómo abordar la cuestión profundamente dolorosa de la dictadura chilena se pueden ver en la película. Llagas todavía abiertas que se manifiestan sin atenuantes en la historia que se narra y que han llevado a catalogarla como “terrible pero necesaria”. La alegría entonces. La alegría como modo de resistencia es lo que finalmente incita a la vida. La alegría de los colores del arco iris. La alegría del No. Un No rotundo que dice que ya viene la vida. Al menos en esta primera expresión de resistencia. Resistir siempre ha sido y seguirá siendo la primera fuerza de los pueblos capaces de producir revoluciones.

¿Qué historias no se cuentan todavía? ¿Qué ausencias seguimos ausentando? ¿Cómo convocamos a la memoria? ¿Estará hecha de historias mínimas la memoria? Una mujer se hace cargo de una niña en una ciudad asolada por la destrucción. Una mujer escribe un diario que se abisma al futuro desde el presente, examinando desde el recuerdo y desde la vivencia de lo cotidiano las fuerzas que pueden salvarnos de la destrucción total. Un diario que también dice No, que resiste a la muerte es “Memorias de una superviviente” de Doris Lessing. Observadora atenta y sensible, como René en la película No, nos conduce por una ciudad en ruinas para rescatar la belleza que podemos construir con las palabras. Porque si las palabras tiene el poder de asesinar, también los silencios. Si la memoria es un animal huidizo, es nuestro deber comprender sus maneras, no para apresarla que sería como domesticarla. Para mantenerla viva, aprender de ella, con ella. Para no repetir el horror, que adquiere muchas caras.

Biopic: Norma Aleandro

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Norma Aleandro es una actriz, guionista y directora de teatro argentina. Nació en Buenos Aires en 1936.
Hija de actores, hizo sus primeros papeles a los 9 años junto a sus padres en el teatro Smart, en la avenida Corrientes de Buenos Aires. En teatro actuó en obras de Eurípides, Molière, Lope de Vega, Cervantes, Tirso de Molina, Tennessee Williams y Arthur Miller. Además, participó en más de 40 películas y programas de televisión, entre los que se encuentran “La muerte en las calles”, “Operación masacre”, “Los siete locos”, “La tregua”, “La fuga”, “El hijo de la novia”, “Anita” y “En terapia”.
Amenazada por la Triple A, en 1975, Aleandro debió exiliarse primero en Uruguay donde hizo Medea y luego en España por la dictadura militar impuesta en Argentina, y allí continuó su carrera con filmes como “Tobi” y “Las verdes praderas”. Después de seis años, regresó al país en 1981.
En 1985 protagonizó “La historia oficial”, la película de Luis Puenzo sobre la última dictadura militar en la Argentina que ganó un Oscar a mejor película extranjera. Por esta película, Norma Aleandro ganó el premio Cannes a mejor actriz, uno de los numerosos premios y distinciones que obtuvo a lo largo de su carrera.
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Escenas – La historia oficial

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¿Sabés que pensé mucho en vos estos años? Te lo juro. Era como una obsesión. Y cuando te vi me acordé todo de golpe. Porque vos estás igual. Estás idéntica. Mirá que pasaron años, eh, pasaron cosas, y vos estás igual. Igual a la que era la alcahueta de la celadora, a la que me regaló dos saleros de plata cuando yo no tenía más que un colchón en el suelo para dormir. Igual. Así que ahora Dora, despreciable compañerita, inolvidable hija de puta, ¿por qué no te vas a la mierda?

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Ana. En La historia oficial de Luis Puenzo.

 

 

Escenas – Todo sobre mi madre

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“Por causas ajenas a su voluntá dos de las actrices que diariamente ntriunfan sobre este escenario hoy no pueden estar aquí, pobrecillas, así que se suspende la función. A los que quieran, se les devolverá el dinero de la entrada, pero a los que no tengan nada mejor que hacé, y pa una vez que venís al teatro, es una pena que os vayais. Si os quedais, yo prometo entreteneros contando las historias de mi vida…”

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La Agrado. En Todo sobre mi madre de Pedro Almodóvar.

22 de marzo de 2014 – Programa 1

Parte 1:

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Parte 2:

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Primer programa

Parte 1:

Fragmento de “Los ojos de Greta Garbo”, Manuel Puig.

Hedwig and The Angry Inch – The Origin of Love

Película: El último Elvis (Armando Bó).

Charly García – Suicida
Fito Páez – Tumbas de la gloria

Fragmento de “Triste, solitario y final”, Osvaldo Soriano

Luca Prodan – Perdedores hermosos
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Biopic: Julie Delpy.

Julie Delpy – Lame Love

Entrevista: Fernanda Blainq, “Esa que soñó cantar”

Rammstein – Früling in Paris
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Parte 2:

The Beatles – Strawberry Fields Forever

Película: Vivir es fácil con los ojos cerrados (David Trueba).

Sui Generis – El tuerto y los ciegos
León Gieco – Familia rodante

Fragmento de “Fumar en el aeropuerto”, Pedro Lemebel.

Pez – Los verdaderos sonidos de la libertad
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Gustavo Cerati – Bocanada
Babasónicos – Los calientes

Fragmento de “La viajera y sus sombras”, Victoria Ocampo.

Oveja Negra – Mientras vamos viajando
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El último Elvis – Vivir es fácil con los ojos cerrados

El último Elvis, Armando Bó. Argentina, EEUU, 2012. John Mc Inerny interpreta al “Último Elvis”, un imitador argentino de Presley que canta con la voz de Elvis, según él mismo dice. Su imitación no sólo aparece en los escenarios: el Carlos Gutiérrez de la historia casi ni aparece. Niega su Carlos Gutiérrez. Es Elvis de Memphis. Es el mismo que tiene una hija llamada Lisa Marie, el mismo que, a pesar de todo, sabe que el show debe continuar. Es el mismo que toca en Las Vegas y que muere empastillado sobre el inodoro. “El último Elvis” es la primera película de Armando Bó, el nieto del director de la Coca Sarli. Antes había trabajado en publicidad y fue coescritor de “Biutiful”, protagonizada por Javier Bardem. También es la primera película en la que actúa el protagonista. Antes, sólo fue Elvis. En el escenario. Su banda tributo al rey del rock, “Elvis vive”, había sacado ya 3 discos (“Breaking Hearts”, “The last month” y “Elvis vive en la voz de John Mc Inerny”), pero él no había pisado ni las tablas ni se había aprendido ninguna línea más que las de sus canciones. Y, sin embargo, tanto Bó como Mc Inerny le dejan al cine argentino una película luminosa, triste, que deja el canto desgarrado sangrando en el pecho por largas horas. No exagero. Normalmente es posible usar varios recursos para lograr en el espectador alguna lágrima, sobre todo aquellos que provocan una identificación con el personaje. Pero con dificultad una película puede generar un ambiente de tristeza del que no se puede salir. Si se sale, es una más. Puede haber algún signo de esperanza; es hasta humano que haya un signo de esperanza. Pero si una historia es simplemente triste, entonces no cabe hermosearla y hacerla feliz para complacer a nadie. Vittorio De Sica sabía esto: no había muchas esperanzas en la Italia de posguerra. Estaba, sí, la lucha por vivir. Y esa tristeza enorme de quienes lo han perdido todo, incluso a ellos mismos, a lo que fueron, sólo puede ser retratada con la tristeza como escenario. El cine no necesariamente tiene que ser un retrato, no digo eso; pero si decide serlo, entonces debe buscar una fidelidad que le permita ir tan hondo como decida llegar. La historia de Carlos Gutiérrez es todo lo triste que puede ser porque él también ha perdido todo lo que fue: él ya no es Gutiérrez, es Presley. Y está divorciado de Piscila y su hija se llama Lisa Marie y necesita que su último concierto sea en un casino. Y tiene la voz de Presley: es lo único que le ha quedado de sí mismo y, no obstante, cree y sabe que es la voz del otro. Tiene un momento de epifanía, un momento de lucidez: su expareja tiene un accidente y se debe hacer cargo de su hija. No es el nudo del conflicto, es un momento de definiciones. Le cuesta congeniar con esa nena que no siente tanta pasión por el músico. Quiere, intenta, y Lisa Marie hace la gran parte, en verdad. Pero eso no significa que ella no sea su parte en el mundo. Cuando finalmente se va de viaje a ser el último Elvis, uno descubre que el dinero que estuvo ahorrando en esa caja de video cassette no es para pasajes y estadía, sino para su hija, a quien le canta canciones en la intimidad para hacerle sentir que está cerca, como puede. Como todos intentamos, bah.

Image Vivir es fácil con los ojos cerrados, David Trueba. España, 2013. Escribe Victoria Ocampo en “La viajera y sus sombras”: Vamos a irnos. Yo no quiero despedirme. Sobre todo no quiero despedirme de Vitola. Me llevan al portón de Viamonte que se abre sobre el último patio, el del fondo. Carmen se asoma para besarme. Está sola. Tengo una gorra de terciopelo con cintas blancas, anchas, de raso, que pasan sobre mis orejas y se atan en el cuello. Estas cintas me impedirán oír… Tengo miedo de oír llorar.”

¿Cómo comienza un poema o un cuento? pregunta un periodista a la escritora uruguaya Marosa di Giorgio. Ella responde: “De pronto, se enciende un punto, y de ahí salta un camino, un bosque, un panorama entero.” Un punto que bien puede ser el deseo pienso yo, o el miedo, como dice la Ocampo. El deseo que hace que alguien se lance a la ruta, o mejor, que le impulse a hacer un camino propio. Algo de ese impulso que corre entre el miedo y el deseo y que inventa caminos hay en la historia, o en el cruce de historias que se narran en la novena película escrita y dirigida por el madrileño David Trueba “Vivir es fácil con los ojos cerrados” ganadora de seis premios Goya entre ellos, mejor película, director y actor. El título del film es una clara alusión a la letra de la canción de los Beatles Strawberry Fields Forever, en ella se mezclan imágenes propias del film, intercaladas con imágenes de archivo de los Beatles y de Lennon rodando en Almería, España. Se estrenó el 31 de octubre de 2013.

La película está catalgoda como una comedia dramática y podría definirse como un clásico Road Movie, basado en ciertos hechos reales que le dan un sentido y una excusa para contar esta historia inteligente, humana, cálida y entretenida. En 1966 un John Lennon en plena crisis existencial piensa en dejar definitivamente el grupo e intenta incursionar en la actuación. Así llega a Almería para rodar con el director Richard Lester una película antibelicista: Cómo gané la guerra. El actor Javier Cámara (en una actuación impecable y entrañable), es Antonio, fan incondicional del cuarteto de Liverpool y profesor de inglés en un pequeño colegio de Albacete. En sus clases usa las canciones de los Beatles para enseñar inglés y al enterarse de la presencia de Lennon decide emprender un viaje en su modesto auto hasta la ciudad costera cercana a Granada en donde lo conocerá y le hará una inusual petición: le pedirá a Lennon que incluya las letras de sus canciones en los discos. Parece que Lennon efectivamente comenzó a incluirlas luego de su paso por España. En la ruta, Antonio se cruza con la actriz Natalia de Molina en el papel de Belén una joven de 20 años, que se ha escapado de la reclusión a la que está sometida por su madre. En el camino ambos se cruzarán con Juanjo (el joven actor Francesc Colomer), un adolescente de 16 años, que se ha fugado de casa en plena rebeldía juvenil y enfrentamiento con un padre conservador (interpretado éste por Jorge Sanz). El viaje se convierte en una excusa para el encuentro con ellxs mismxs, y una podría apresurar una conclusión y decir que todo viaje en cierto sentido propicia estos encuentros. Incluso aquellos más intrascendentes. Pero éste es además y fundamentalmente un viaje de liberaciones, de descubrimientos. Un viaje al centro del miedo, para desarmarlo, para hacerlo a la medida de lo que puede ser entendido. “No se puede vivir con miedo, hay que sacudirse el miedo” dice Antonio al final de la película, se lo dice a uno de los personajes que lo ha acompañado hasta ese momento, pero sabemos que también se lo dice a él mismo. Hay que sacudirse el miedo para hacer lo imposible, lo que el deseo nos convoca a hacer. Y nada mejor para remover los miedos que iniciar un viaje. Tres personajes confluyen en un andar que los devuelve al origen de ese miedo. Pero también les regala la alegría de los pequeños gestos cotidianos que quizás son la punta de un ovillo, del cual comenzar a tirar para construir la cartografía de nuestros propios relatos, es decir de nuestra vida. Una pequeña punta que puede conducir a un bosque, como quería Marosa.

Dice Sylvia Molloy en el prólogo del libro de Victoria Ocampo que antes nombré: “Ese lugar otro, que se concibe espacialmente, está también marcado por un tiempo distinto: otro ritmo afecta al viajero durante el desplazamiento, lo descoloca, lo desorienta, y esa desorientación persiste aún después de concluido el viaje. No sólo vuelve distinto el que se ha ido, vuelve a un espacio y a un tiempo distintos, ya que el viaje nos hace ver el lugar al que volvemos, y creíamos permanentemente igual a sí mismo, con otros ojos.” Algo de esto ocurre en la historia que Trueba nos propone. Algo de ésto proponemos nosotrxs en este viaje por las letras y las músicas, el cine, algo de esto se puede leer en las páginas del libro de la Ocampo. Los viajes siempre enseñan, incluso con los ojos cerrados.

Biopic: Julie Delpy

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Julie Delpy es una actriz, guionista, directora y cantante francesa, nacida el 21 de diciembre de 1961 en París. Es hija de los actores Marie Pillet y Albert Delpy, con quien trabajó en varias de sus películas.
A los 5 años debutó en teatro y a los 14 obtuvo su primer papel cinematográfico, en la película “Detective” del director clásico del cine francés, Jean-Luc Godard.
Dirigió y protagonizó 2 días en París, 2 días en Nueva York, La Condesa y Le Skylab. Trabajó además con los norteamericanos Adam Goldberg, Kevin Bacon, Andy García, Bill Murray y Chris Rock, así como con el alemán Daniel Bruhl.
Su salto a la fama mundial fue en 1995 con lo que sería el comienzo de una trilogía sobre el amor ideal. Dirigida por Richard Linklater, “Antes del amanecer” fue coescrita por el director, Julie Delpy y el estadounidense Ethan Hawke, coprotagonista del film, y contó con el apoyo de la crítica y del público occidental. En 2004 se estrenó la segunda parte de la historia de Celine y Jesse, Antes del atardecer. En esta entrega, Julie Delpy presenta “A waltz for a night”, una de las canciones que componen su disco de 2003. En 2013 se presentó “Antes del anocher”, la última parte de la relación de esta pareja, ya con los ideales caídos y una relación con hijos que intentan sostener.

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Entrevista en La mañana de MQC

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Audio de la entrevista realizada por Juan Garmendia en su programa “La mañana de MQC” (MQC Radio), como parte de la promoción del programa.

http://www.ivoox.com/entrevista-mqc_md_2941776_1.mp3″ Ir a descargar

Bonus: otro corte de difusión del programa.

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